Este manga, editado por Sueisha, partió en 1990 en la revista “Shonen Jump“, finalizando en 1995 con 19 volúmenes recopilatorios. Fue considerada la mejor obra de Yoshihiro Togashi (“Level E“, “Hunter x Hunter“). Paralelamente, desde 1992 se desarrolló la serie de televisión, la que mantuvo la trama del manga y se extendió por 112 episodios. La historia comienza cuando Yusuke Urameshi, un problemático estudiante de secundaria, muere atropellado intentando salvar la vida de un niño. Lo recoge Botán, la encargada de llevar las almas de los muertos al más allá y ante Enma, el encargado del mundo espiritual (el mismo personaje aparece en Dragonball como Enma Daiosama).
Como nadie esperaba de Yusuke un acto heróico como el que le causó la muerte, deciden darle una nueva oportunidad y junto a Botán lo mandan de vuelta a la Tierra para reparar su mal comportamiento anterior. Además, el hijo de Enma (Enma Junior) le ofrece un trabajo como Reikai Tantei: “investigador” o “detective” del mundo espiritual, que es de lo que se trata este exitoso anime.
En la trama los personajes usan más la inteligencia y tácticas para acabar con los enemigos sobrenaturales que la fuerza bruta.
La primera misión de Yusuke es recuperar tres objetos sagrados robados por tres demonios, precisamente dos de los cuales se unirán a él. Estos son Kurama (Minamino Suiichi), poseído por un espíritu mitad zorro perteneciente al mundo espiritual; otro es Hiei, del mundo de los demonios. A ellos se suma Kazuma Kuwabara, rival de Yusuke en la escuela.
Una entretenida serie de detectives que hasta no hace mucho tiempo se pudo disfrutar de ella a través de la señal de Cartoon Network.
Paranoico, excéntrico y alocado. El Pato Lucas es un clásico de los dibujos animados y cada cierto tiempo nos sorprende con nuevas y entretenidas aventuras. La programación por cable ofrece un selectivo menú de historias de este plumífero amigo.
En sus primeros años, Lucas era un maníaco, explosivo e impredecible que participaba en aventuras que incluso a él le parecían descabelladas. A medida que su personalidad ganaba en profundidad en las manos de los directores de animacion de Warner Bros., el pequeño pato negro se fue haciendo más autoanalítico, competitivo, malhumorado, paranoico y neurótico. Finalmente, se encontró cada vez más a la merced de un universo que parecía favorecer a todo el mundo, menos a él.
Pese al mal genio de nuestro amigo y sus muy poco decorosas actitudes, es uno de los dibujos animados más queridos de todos los tiempos, siempre metido en problemas y haciendo de las suyas.
El Pato Lucas tiene la categoría de super estrella del firmamento infantil. Tiene más de 150 películas de animación y largometrajes, a menudo como héroe autoproclamado junto con su polo opuesto y compañero: Porky. También siempre es víctima de las bromas de Bugs Bunny, ese conejo que siempre lo tiene en problemas.
El éxito de Lucas incluso lo ha hecho protagonizar una serie de aventuras futuristas, donde, obviamente, es figura indiscutida de su programa.
Alocado y travieso, este pato siempre consigue lo que, desafortunadamente, nunca llega a escuchar: las risas agradecidas de la audiencia infantil de todo el mundo.
Otra de las apuestas del canal Boomerang es esta serie que relata la historia de cinco chicas que forman su propia sociedad secreta cuyo lema es “no se permiten chicos ni padres“.
Basada en los libros de la escritora Rose Impey, esta serie de origen australiano, nos cuenta las historias de cinco amigas que duermen constantemente en casa de las otras, naciendo así el “Club del Dormitorio“. Seguramente, si tú te has quedado a dormir con tus amigas, sabrás de lo que se trata: chismes, chistes, chicos, cuentos tenebrosos, anécdotas, alegrías y tristezas que se comparten con las amigas en estos momentos inolvidables.
La costa australiana Crescent Bay es el escenario de las aventuras, trabajos escolares y encuentros diarios del grupo de chicas que no se separan por nada en el mundo.
Junto con Fliss, Lyndz, Kenny, Rosie y Frankie, las integrantes del exclusivo Club del Dormitorio, las chicas podrán explorar todo que tenga que ver con la amistad, problemas de amor y lo más importante, cómo estar a la moda en ropa.
Creada como un remake de otro anime, “Dolphin Ouji” (de 1965 y uno de los primeros animes en color), fue la primera serie animada en ser producida conjuntamente entre japoneses (Japan Tele Cartoons)ynorteamericnos (Seven Arts Television), entre 1966 y 1967. La serie era animada en Japón basada en los argumentos de los guionistas de Estados Unidos.
Es éxito que cosechó en ambos países en su momento, se convertiría en uno de los pilares principales de la invasión mundial del anime de las próximas décadas.
El argumento consistía en las aventuras de Marino que junto a sus amigos, Netpina (una sirena) y el delfin Chapotín cooperaban con la Patrulla Oceánica para defender los confines del mar de los malvados agresores.
La Patrulla Oceánica, era una organización creada para defender la seguridad en los mares del mundo. Su barco principal era el P1 conducido por el héroe de la serie, Marino (hijo del doctor fundador de la patrulla) junto a los tripulantes Pipo y Torovoltán. Marino tenía un traje protector antibalas diseñado especialmente para él junto a unas botas propulsoras que le permitían navegar rápidamente. Su arma principal era un bumerang que era guardado en una bolsa en su brazo izquierdo.
Cada vez que Marino quería sumergirse en el mar tomaba una Oxigoma (un especie de goma de mascar), la cual le permitía estar un buen tiempo bajo el agua. La Oxigoma la guardaba luego en un bolsillo lateral ocultado por el cinturón.
Neptina tenía una perla gigante colgada en el cuello que le servía como bola mágica para ubicar a Marino cuando este estaba en peligro. También figuraba un muchachito cabezón llamado Cli Cli que intentaba a menudo ayudar a Marino pero causaba más apuros que otra cosa.
La música en español de este clásico anime es inconfundible para quienes disfrutaron de los dibujos animados de la década de los 80, que por cierto es interpretada por el chileno Memo Aguirre, inolvidable en melodías de series como Angel, la niña de las flores, El Vengador, El Galáctico, La Mujer Araña, La Pequeña Lulú y tantas otras a las que puso su voz.
La serie Capitán Futuro, basada en la novela de Edmon Hamilton, fue producida por la compañía japonesa TOEI Animation en 1979, cosechando un inesperado y rotundo éxito en todo el mundo. La trama está condimentada por mucha acción y un moderado contenido científico, además de una serie de mensajes moralistas. Tuvo un total de 52 episodios con uan duración de 25 minutos cada uno y donde la lucha contra el mal es el principal objetivo de nuestro héroe estelar.
El Capitán Futuro y su tripulación, formada por el androide Otto, el robot Grag y el profesor Simon Wright,junto a Ken, Ezra Gurney y por supuesto Joan Randall, batallan contra los bribones más malos del cosmos. Viajes en el tiempo, dimensiones paralelas y microcosmos son algunas de las extraordinarias aventuras, siempre a bordo de la nave Cometa -dotada de la más alta tecnología- que deben pasar para mantener la paz en el universo, siempre en peligro por el malvado Emperador del Universo y sus secueces, el peor de los enemigos de Futuro, quien amenaza siempre con sus oscuros planes a la humanidad.
Este simpático dibujo animado quedó en el corazón de miles de niños de todo el mundo, quienes aún recuerdan a este tierno pollito negro que lleva un gorro de cáscara de huevo. En la serie, Calimero y sus amigos pasan por todo tipo de extrañas aventuras y peligros.
De origen italiano, el personaje fue creado por los hermanos Nino y Toni Pagot e Ignazio Colnaghi allá por 1963. Sus primeras apariciones fueron en comerciales publicitarios, como en uno de un detergente.
Una de sus características es que lleva a todas partes su medio cascarón de huevo como sombrero, además es exageradamente bueno, tanto que siempre tropieza con problemas de todo tipo.
En sus primeras apariciones -fuera de la publicidad-, a principios de los 70’s comienza con su nacimiento de un huevo del que guarda una parte en la cabeza. Luego se realizaría un anime basado en el personaje, cuyos episodios continuarían hasta los 90’s, donde, con aventuras alejadas de la escuela, vemos a un Calimero ya adolescente.
Sin embargo, fueron los primeros capítulos los que dejaron huella en los televidentes. Aquí este tierno pollito está acompañado de su novia Priscilla, además de sus inseparables amigos y compañeros de aventuras. Aquellos capítulos que siempre terminaban con una linda moraleja acerca de la amistad, la familia y otros valores.
Esta serie, creada hace más de tres décadas, sigue vigente hasta hoy a través de varias secuelas cinematográficas y otras tantas televisivas, pero, en especial, gracias a la devoción con que la mantienen los fanáticos. Miles de personas en todo el mundo, han transformado con un fervor casi religioso a Viaje a las Estrellas (Star Trek), en un hobbie, un objeto de culto, una necesidad y casi una filosofía de vida.
Gene Roddenberry, un ex piloto de guerra y guionista desde principios de los ‘50, es venerado por los fanáticos por ser el hombre detrás del fenómeno de Viaje a las Estrellas.
El escribió y produjo en 1964 una historia llamada The Cage (La Jaula), el piloto de la serie Star Trek, el cual fue realizado pero rechazado por la cadena televisiva NBC por ser “demasiado cerebral” y “demasisado buena para la televisión“. En este capítulo, hoy de culto por supuesto, el capitán Cristopher Pike (Jeffrey Hunter) y la tripulación del Enterprise llegan a un planeta cuyos habitantes se dedican a reunir ejemplares de diferentes especies para su zoológico espacial. Por supuesto, ellos son los siguientes. De este primer elenco sólo sobrevivió Leonard Nimoy, que ya en este legendario capítulo piloto encarnaba al Sr. Spock, hijo de un embajador del planeta Vulcano y una terrícola, lo que le confería una singular personalidad poco expresiva. Este personaje, uno de los más populares de la serie a causa de sus orejas puntiagudas (aunque en el piloto no lo eran tanto) y su carencia de emociones, había sido ofrecido primero a Martin Landau (Misión Imposible, Cosmos 1999), quién lo rechazó porque era un papel que no daba mucas posibilidades de histrionismo.
Roddenberry, que había puesto en un rol importante a su mujer, Majel Barret, no se quedaba en lo perseverante. Insistió con su proyecto y, tras algunos ajustes, incluído el casting, consiguió la aprobación para sacar adelante su serie a fines de 1966. Así William Shatner dió un paso a la posteridad convirtiéndose en el capitán James T. Kirk,quien encabeza la misión de la nave espacial Enterprise, que -tal como rezaba la locución al comienzo de cada capítulo-, consisitía en recorrer el espacio por los próximos cinco años, contactar nuevas formas de vida y llegar a donde el hombre nunca antes había llegado.
El resto de la tripulación estaba compuesta por el doctor Leonard H. McCoy, alias Bones (DeForest Kelley), el oficial ruso Pavel Andreievich Chekov (Walter Koening), la sexy teniente Uhura (Nichelle Nichols), el teniente Hikaru Sulu (George Takei), y la enfermera Christine Chapel (Majel Barret), que solía suspirar por el insensible de Spock.
Con guiones inteligentes y una inclinación por argumentos de cierta base científica, Viaje a las Estrellas privilegió los diálogos y las vicisitudes de los personajes por sobre la acción y el despliegue de efectos especiales. De hecho, características hoy inequívocas de la serie, como la famosa máquina teletransportadora que tan diligentemente supervisaba el jefe de ingenieros, teniente comandante Montgomerey Scott, alias Scotty, eran el resultado de la necesidad. Se inventó ese artilugio porque no había presupuesto para hacer creíbles las escenas de aterrizaje de la nave.
Aunque la misión del Enterprise era de cinco años, los ejecutivos decidieron adelantar el regreso. La serie fue cancelada a mediados de 1969, tras una tercera temporada. Y eso, a pesar de que el creciente número de seguidores hizo posible, gracias a sus protestas, que hubiera tercer año, porque en el canal querían cortarla antes.
Es que nunca tuvo un éxito masivo, ni los ratings necesarios. Eso vino después, cuando la serie fue repuesta. Ahí empezó la locura. Se hizo una versión en dibujos animados (1973) y, a partir de 1979, una serie de películas para el cine. Seis con el elenco original, que envejeció en pantalla que daba gusto. Hasta que vino el relevo.
En 1987 comenzó el primer spin-off del universo de Star Trek, con Viaje a las Estrellas, La Nueva Generación, en que un nuevo Enterprise con renovada tripulación continuaba surcando el espacio. En 1994 pasaron al cine con Strar Trek, Generations y continuaron con The Final Contact, Insurrection y Nemesis.
Además, en la televisión el legado de Roddenberry continuó con otras series, como Abismo Espacial Nueve, Star Trek: Voyager y Enterprise.
Es que como dice el saludo de los vulcanos, el fenómeno de Viaje a las Estrellas goza de “larga vida y prioperidad“.
Su nombre original era V (por “Visitors, o sea “Visitantes“). Serie sobre unos lagartos del espacio exterior disfrazados de gente que causó bastante revuelo en los años ochenta. Las aventuras de los terrícolas de la resistencia eran seguidas con entusiasmo, mientras muchos fantaseaban con Diana, una sexy lagarto, o especulaban sobre las razones de su final inconcluso.
Creada por Kenneth Johnson (responsable de El Hombre Increíble), Invasión Extraterrestre partió en Mayo de 1983 como una miniserie de cuatro horas hecha para la cadena NBC por la Warner Brothers Television. Su argumento partía con la llegada a la Tierra de 50 gigantescas naves del espacio, en las cuales se movilizaba una raza de seres -idénticos a nosotros- que pedía ayuda para salvar a su mundo. Rápidamente y con una gran manjeo de las relaciones públicas, eran aceptados en nuestro mundo. Pero un intrépido camarografo, Mike Donovan (Marc Singer), descubría que, tras sus diisfraces humanos, se ocultaba una raza de reptiles cuyo siniestro plan consistía en robarse el agua -y los terrícolas- para llenar sus despensas. Comenzaba entonces una guerra entre los invasores y unos cuantos humanos que creaban un grupo de Resistencia.
Fue tal el éxito de sintonía, que los productores rápidamente hicieron una secuela, V: The Final Battle, uan miniserie de seis horas que debutó un año después. Allí se describe la fiera lucha entre los dos bandos, mientras la Resistencia trata de despertar al resto del planeta de la manipulación de los lagartos. Como los buenos resultados continuaron, la Warner Bros. finalmente accedió a realizar una serie semanal, la que fue -en su momento- la más cara de la historia de la televisión norteamericana, con un presupuesto de US$ 1 millón por capítulo.
En Invasión Extraterrestre podíamos ver, entre otros momentos inolvidables, a una pobre chica terrestre dando a luz a un asqueroso bebé lagarto fruto de su amor por un visitante muy bien disfrazado. O cómo Diana (Jane Badler), una morena algo vulgar y comandante de otro mundo, estiraba su boca como si fuera una serpiente para engullirse un ratón a la hora de la merienda. También había un grupo de combatientes contra los lagartos, que parecían una mala copia de la resistencia francesa, liderados por el tieso de Marc Singer (El Señor de las Bestias) y Michael Ironside (El Vengador del Futuro, Highlander II). El reparto incluía también a Robert Englund -luego conocido mundialmente como el famoso Freddy Krueger de la serie Pesadilla- en el rol de Willie, un reptil que se pasaba al bando de los buenos.
Pese a todo el boom que significó en su momento, la NBC canceló la producción al final de la primera temporada, cuando en su último capítulo había dejado una serie de situaciones en suspenso. El líder de los extraterrestres llegaba a la Tierra para proponer un cese al fuego, mientras la malvada Diana ponía una bomba en la misma nave para eliminar a su líder y culpar a la Resistencia.
Aunque el guión para la solución de estos conflictos estaba escrito, el capítulo nunca fue filmado. Así, sus seguidores, al igual que los lagartos, se quedaron con apetito.
Clásico de los 70’s. Grupo de música disco y eurodance que alcanzó gran fama durante la década de las patas de elefante. Creado en 1975 por el productor alemán Frank Farian, estaba formado por Marcia Barret, Liz Mitchell, Maizie Williams y Bobby Farrell. Aunque el grupo cambió varias veces de interpretes femeninas -solo se mantuvo hasta el final Barret- nadie parecía darse cuenta. Entre sus muchos singles conocidos destacan: Daddy Cool, Sunny, Ma Baker, Rivers Of Babylon, Brown Girl in the Ring, Rasputin, Painter Man, Hooray Hooray It’s A Holi-Holiday y varios otros.
A estas alturas si se trata de elegir la mejor canción del grupo inglés The Beatles es casi una tarea imposible, tanto por la calidad de las mismas como por la leyenda que consituye por sí sola la banda.
Se podría empezar por año y ver cuál es la mejor, o por disco o por autor. Como sea es muy difícil. No por nada la revista Rolling Stone en una elección de los discos más importantes de la histora situó nada menos que a cuatro discos de la banda entre los 10 primeros.
A Day in the Life es una canción compuesta por John Lennon para el disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de 1967. Lennon escribió la canción basándose en las noticias que leía en ese momento en un periódico (Daily Mail).
Cuenta con un interesante trozo interpretado por Paul McCartney en el medio de la canción. Con innovadoras técnicas en la producción y un complejo arreglo musical que incluye un crescendo de orquesta, debe ser uno de los trabajos más ambiciosos e influyentes en la historia de la música.
Les dejo el enlace para que disfruten de esta gran canción:
Clásico de los fines de semana por TVN. La última vez que pudimos disfrutar de esta serie fue a mediados de los 90’s, esta vez por las pantallas de Chilevisión, las mañanas de los Sábados y Domingos.
Las empalagosas (para algunos) aventuras de esta especie de motel flotante que entre 1977 y 1986 rescató a viejas glorias del cine y la TV para que en cada capítulo repartieran besos y lágrimas al por mayor.
Partiendo por su inigualable tripulación, desde el capitán al cantinero, todos con una encomiable vocación de servicio y complejo de alcahuetes, se dedicaban a que los que subían solos o con problemas de pareja, se bajaran más felices que nunca.
Cada capítulo contaba tres historias que, paralelamente, debían cumplir en 60 minutos con la vieja fórmula de chico encuentra a chica, chico pierde a la chica, chico recupera a la chica.
Entre las cenas en la mesa del capitán, los coloquios en cubierta al lado de un bote salvavidas y con un mar proyectado de fondo, los paseítos por Puerto Vallarta y los tequilas margaritas, uno siempre sabía a que atenerse con los pasajeros que pululaban por el barco. La mayoría eran gente de buen pasar, terriblememnte aburrida, o personajes salidos de quién sabe dónde, que parecían haberse ganado los pasajes en Sábado Gigante Internacional.
Ahora bien, los actores fijos era cosa aparte. El circunspecto capitán Stubbin venía de interpretar a innumerables villanos secundarios en el cine. Bernie Kopell, el doctor, antes hizo de Sigfrid, el archienemigo del Súper Agente 86. Fred Grandy, tenía a su haber una serie en que resolvía misterios junto a Drácula, el Hombre Lobo y Frankenstein (si alguien sabe como se llamaba esta serie que me lo diga) y que después se retiró para terminar como congresista por Iowa. Si esto parece raro, hay otro caso. A la actriz Lauren Tewes, que encarnaba a Julie McCoy, la más dulce de las anfitrionas de ultramar, se le ocurrió confesar en una entrevista que era adicta a la cocaína. Hasta ahí no más llegó. La echaron del programa y pusieron en reemplazo a Vicky (Jill Whelan), la hija ilegitima del capitán. Pobrecita.
Conducido por el maestro Raúl Matas, el más grande e importante de los animadores de la historia en la televisión chilena, a fines de los 70’s y principios de los 80’s por las pantallas de Television Nacional (TVN). Inolvidables las presentaciones en el estelar de Lee Majors, el hombre nuclear, Grace Jones, que se comió una planta de la escenografía, Chuck Berry, quien por primera vez visitaba sudamércia, y Lou Ferrigno, el hombre increíble a quien le dio la furia y destrozó unos pilares que adornaban del estudio. Del mismo espacio se recuerdan con gran cariño las simpáticas telechácharas de Jorge Romero Firulete, las intervenciones del Mago Helmut, Ronco Retes y de Pepe Tapia con sus personajes.
Se mantuvo casi una década al aire -su última emisión fue el año 1983- y cuando Matas se cambió de canal (se fue a trabajar a Canal 13) condujo en éste otro recordado clásico de los estelares nacionales: Una Vez Más, pero esa es otra historia.
¿Alguien recuerda a uno de los protagonistas de esta serie?. Pues es Michael Douglas. Famoso actor y productor, recordado por sus papeles de galán torturado en cintas como Atracción Fatal, Bajos Instintos y Acoso Sexual.
En esa época tenía solo 28 años y se hizo famoso coprotagonizando esta célebre serie policial, Las Calles de San Francisco, al lado de ese monumento a la actuación que era el gran Karl Malden, el mismo de la película de Hitchcock, Mi Secreto me Condena y Nido de Ratas, de Elia Kazan, entre muchas otras.
Las Calles de San Francisco era una producción de Quinn Martin, gestor de otras famosaas creaciones para la televisión como Barnaby Jones, Cannon, Los Invasores, El FBI en Acción, El Fugitivo y Los Intocables. Todo partió con un telefilme realizado en 1972, cuyo guión estaba basado en una novela de Carolyn Weston y que situaba la historia en la ciudad de San Francisco.
Así comenzó la serie, que duró entre 1972 y 1977, y que principalmente estuvo centrada en la resolución de casos de homicidio, y la relación que se establecía entre un veterano detective, el teniente Mike Stone (Malden), y el novato inspector Steve Keller (Douglas).
Stone era un tipo astuto, hábil, pura intuición y experiencia, que se había formado en la calle, con 20 años de trabajo policial; Keller era joven, y se había educado en la universidad. Sus diferencias de método, y a pesar de eso, la férrea relación entre ambos, era la que sostenía el argumento.
Algunos de los capítulos sirvieron para toquetear a futuros realizadores de cine como John Badham y Richard Donner, e incluso para que probara suerte en la dirección el propio Michael Douglas, que abandonó la serie el último año de producción.
En ésa última temporada siguió Karl Malden, pero su compañero fue reemplazado por el inspector Dan Robbins, encarnado por Richard Hatch, que más tarde sería el capitán Apollo de Galáctica, Astronave de Combate.
Cuando la serie fue resucitada en 1992, Malden estuvo solo. Michael Douglas estaba en otra. Tras su partida de Las Calles de San Francisco, se lanzó de lleno a la actuación y la producción de cine. Empezó bien, porque el primer filme que produjo en 1975, Atrapado sin Salida, con Jack Nicholson, le significó ovaciones de la crítica, éxito mundial y varios premios Oscar. Siguió produciendo y protagonizando Síndrome de China, con Jane Fonda, y desde entonces ha realizado una carrera bastante llamativa, coronada con el Oscar a Mejor Actor por su rol de un inescrupuloso ejecutivo en Wall Street, de Oliver Stone.
Además, no hay que olvidar que Douglas fue el productor de la cinta Starman, El Hombre de las Estrellas con Jeff Bridges, que dirigió John Carpenter. Y a partir de ese filme, realizó la que ha sido hasta ahora su única otra participación en un proyecto televisio además de Las Calles de San Francisco, aunque esta vez como productor con Starman, El Hombre de las Estrellas, la serie.
Laura Ingalls Wilder existió de verdad, escribió su vida y la de los suyos, toda una familia de pioneros norteamericanos, en varios libros que dieron origen a la famosa serie. La Pequeña Casa en la Pradera se convirtió en uno de esos insufribles clásicos, que pese a lo lacrimógenas y tramposas, son tan efectivas que se terminan imponiendo en cualquier canal y consiguiendo rating a pesar de que los repitan por quincuagésima vez y en el horario que sea.
Producida por la cadena NBC, se emitió entre 1974 y 1982, y a lo largo de 217 episodios, por obra y gracia de un hombre: el fallecido Michael Landon, que se pasó la vida entera metido adentro de la televisión. El hijo menor de los Cartwright (de Bonanza), ya había conocido el éxito con la saga de la familia del Viejo Oeste. Así, al cerrarse La Ponderosa, sacó de la manga un nuevo proyecto y adaptó las historias de Laura Ingalls para llevarlas a la pantalla chica. Fue el creador, productor, protagonista y director (en muchos capítulos) de la serie.
La historia partía con la llegada al pueblito de Walnut Grove de Charles Ingalls (Landon, por supuesto), junto a su esposa Caroline (Karen Grassle) y sus tres hijas: Mary (Melissa Sue Anderson), Laura Ingalls (Melissa Gilbert) y la pequeña Carrie (Lindsay Greenbush). Los cinco se establecían en una granja y comenzaba su vida de pioneros, aunque con grandes dificultades. Pese a los problemas, los Ingalls salían adelante con esfuerzo y merced a un inconmensurable arsenal de buenos sentimientos y valores morales, propios -supuestamente- de las familias de pioneros americanos a fines del siglo pasado. Ellos eran todo honradez, espíritu de superación, sacrificio, devoción, cariño y, aunque no tuvieran nada, siempre estaban dispuestos a darlo todo por el prójimo.
Sus historias mezclaban el humor y la candidez con tragedias de marca mayor, y muchas veces rozaban de frentón el melodrama. Su universo se completaba con una serie de personajes secundarios, como el tendero Nels Olson (Richard Bull), su insoportable esposa Harriet (Katherine McGregor) y su malcriada hija Nellie (Allison Arngrim), así como el infaltable amigote Isaiah Edwards (Victor French, el mismo de Camino al Cielo).
Los hijos iban creciendo, Laura se hacía maestera, tal cual era su sueño, conocía a un buen mocetón, que se casaba con ella, mientras su hermana mayor quedaba ciega. Llegaban otros hijos, a los que los Ingalls adoptaban y hasta se iban del pueblo a la ciudad. En la última temporada, incluso, Landon cedió el rol protagónico a sus hijas en la ficción y pasó detrás de las cámaras.
La Pequeña Casa en la Pradera podía ser tan empalagosa como sensiblera, pero era una de esas series que no fallaban nunca. Siempre que querían dar golpes bajos, no quedaba un pañuelo seco. Aunque no lo pareciera, Landon sabía lo que hacía. Se disfrazaba de granjero simplón o de angelito, pero era un balazo para los negocios.
Escrito por onionzeta 
Escrito por onionzeta 
Escrito por onionzeta 
