Un amor de tres generaciones fue el que presentó TVN en esta telenovela, cuya historia transcurre en tres épocas diferentes. La primera está ambientada en la década de 1940 y contaba la historia de amor entre Isabel Torreblanca (Nancy Paulsen) y Humberto Valle (Remigio Remedy), un desconocido personaje que llegaba al pueblo de Alto Pinar. Como en toda buena historia romántica, las promesas de amor eterno no estuvieron ausentes, sobre todo si había una vieja tradición de por medio, que prometía a los que se juraran amor eterno a la sombra de la estatua de un ángel (de ahí el nombre de la telenovela).
Pero lamentablemente para ellos, no siempre esas historias resultan. Su relación no fue aceptada por los padres de ella, que los separan y la obligan a casarse con su prometido de toda la vida.
La separación da pie para la segunda parte de la historia, que se ambientaba en los años 60, porque los antiguos enamorados se volvían a encontrar y a separar. Este segmento del guión estaba centrado en la hija de Isabel.
La última parte de la telenovela nos traslada a los años ’80. pero esta vez los protagonistas principales son los nietos de Isabel y Hernán, quienes repiten la historia y al promesa de amor de sus abuelos. Pero esta vez tenían mejores resultados y, además, los ayudaban a reencontrarse definitivamente.
Dirigida por René Schneider en 1989, destacó también por su banda sonora, la que salió a la venta (creo que fue una de las primeras telenovelas que lo hizo) y se convirtió en un éxito.
El escenario principal de esta teleserie era un salón de belleza, donde se relataba la vida de su dueña, una famosa ex vedette llamada Kiki Blanche (Luz Jimenez), y sus hijos.
Una de las historias centrales de esta recordada telenovela de finales de los ‘80 se desarrollaba en torno a una de sus hijas y a su supuesta nieta. Entre ellas se producía un triangulo amoroso cuando Milena (la gran actriz Sonia Viveros), la mayor, se enamoraba de Esteban Greve (Osvaldo Silva), un abogado del que también se “enamoraba” la caprichosa Fernanda, pepel que estuvo a cargo de la debutante Ana María Gazmuri, comenzando los conflictos entre ellas por el corazón del abogado. La lucha tuvo un fuerte desenlace cuando Milena debe confesar algunos de los secretos mejor guardados de su pasado, con relación a Fernanda, quien resultaba ser su hija.
A la rebelde Fernanda también le toca recibir su lección cuando conoce a Marcelo, un argentino encarnado por Claudio Reyes, que le da lecciones sobre personalidad con el sello clásico de los porteños argentinos.
Los otros hijos de Blanche también aportan sus historias a la trama principal, con historias tan complicadas como las de sus hermanas. Connie (María Paz Vial), por ejemplo, se enamoraba de Gonzalo (Ramón Farías), un empleado bancario que no la toma en cuenta porque se enamora de Patricia (Nancy Paulsen), el amor oculto de Pablo (Alvaro Pacull), hermano de Connie.
Dirigida por Ricardo Vicuña es una de las grandes teleseries producidas por Televisión Nacional y una de las últimas consideradas clásicas o de la época dorada de las teleseries chilenas.
Inspirada en una película de Paul Schrader -La Marca de la Pantera-, Manimal contaba la historia de Jonathan Chase (Simon MacCorkindale), un profesor universitario inglés que tenía la extraña habilidad de transformarse en cualquier animal.
La serie duró sólo una temporada (en realidad 8 episodios) y en Chile fue exhibida el año 1985, los días Martes a las 21:20 horas por TVN. El concepto, acuñado por Glen A. Larson y Donald R. Boyle, apuntaba a que Jonathan Chase conocía tan bien los misterios del mundo de los animales, que spodía metamorfearse en uno de ellos. El don lo había heredado de su padre, con quien conoció los grandes enigmas de la naturaleza.
El pasado del profesor Chase incluía viajes por Africa y el Tibet, donde profundizó sus conocimientos, pero su hablilidad de cambiar de forma apareció en medio de una situación de peligro durante la guerra de Vietnam.
En el presente, el aristocrático, culto y brillante académico enseñaba comportamiento animal en la Universidad de Nueva York, amén de asesorar al Departamento de Policía. Lo secundaba en sus aventuras Tyrone C. Earl (Michael D. Roberts), alias T, su compañero en Vietnam, convertido en ayudante y confidente. Además, estaban la rubia detective Brooke McKenzie (Melody Anderson) y el teniente de la policía Nick Rivera (Reni Santoni).
La mayor gracia de cada capítulo era el momento en que Chase se transmutaba en animal. Los efectos especiales eran bastante decentes (en la era previa a los actuales avances digitales) y aunque la secuencia era corta y siempre igual, constituía el punto emocionante de cada historia. Y aunque se suponía que el profesor tenía la facultad de tomar la forma de cualquier animal (alguna vez se convirtió en serpiente y otras en halcón), la mayoría de las veces el bicho escogido era una pantera negra. Tampoco era tan alto el presupuesto.
Una de las más entrañables series de animación, es esta basada en las historias creadas por Johanna Spyri (los libros “Heidi” y “Otra vez Heidi“). Heidi es una pequeña niña suiza huérfana, que durante los primeros años de su vida ha estado bajo el cuidado de su tía Dete. Cuando trabaja, tiene que dejar encargada a la niña con una anciana que esta prácticamente sorda. Un día, Dete tiene la oportunidad de trabajar en Frankfurt con una familia rica, pero como no puede llevar a Heidi decide recurrir al abuelo de la niña, un anciano que vive una vida de ermitaño en las montañas cercanas al pueblo de Dorfli. El abuelo acepta de muy mala gana cuidar a Heidi, pero la inocencia y bondad de la pequeña niña terminan por cautivarlo de modo que su carácter duro termina por ablandarse y poco a poco comienza a aceptar la idea de reintegrarse a la sociedad.
Es así como empiezan las aventuras de Heidi. En su nueva vida aprenderá a amar la naturaleza, los animales y conocerá nuevos amigos. Como Pedro, un pastor que lleva diariamente a pastar a las cabras del pueblo, con quien formará una gran amistad.
Luego de un tiempo, Dete regresa por Heidi pensando que tiene una gran oportunidad para ella: la familia con la que trabaja, los Sesseman, necesitan a una niña que le brinde compañía a la pequeña Clara, una niña paralítica que vive enclaustrada en su casa y no tiene la oportunidad de convivir con nadie. Pero Heidi no quiere irse y dejar al abuelo, por lo que Dete debe engañarla para llevársela.
La vida de Heidi en Frankfurt es gris, monótona y llena de reglas que ella no entiende ni le interesa aprender, lo cual es causa de frecuentes conflictos con la señorita Rottenmeier, la institutriz y ama de llaves de los Sesseman. A pesar de que Clara y Heidi se hacen rápidamente buenas amigas, Heidi extraña tanto su hogar que empieza a enfermarse. Las cosas llegan tal grado que el padre de Clara decide que Heidi regrese a Suiza con su abuelo, a pesar de la pena de Clara.
El tiempo que el abuelo a estado solo, lo ha hecho comprender el peso de la soledad y al regresar Heidi, decide que debe bajar al pueblo durante el invierno para que la niña pueda ir a la escuela y convivir con otros niños. Ya en primavera, Clara convence a su padre que la deje visitar a Heidi en las montañas. Los cuidados de Heidi y su abuelo, asi como el contacto con la naturaleza, le permiten a Clara recobrar la confianza suficiente en si como misma para intentar caminar nuevamente. Después de un periodo de alimentación especial, asi como de ejercicios, Clara finalmente puede volver a caminar y con ello sorprender a su papá.
Y así termina esta hermosa historia de la pequeña huerfana que doblega con bondad y amor al viejo ermitaño. La última vez que se transmitió en Chile fue en 2006 por Red TV.
En menos de 30 años, La Esclava Isaura ha puesto dos veces a prueba a los más conocidos directores y conductores de la televisión local. Y en las dos ocasiones la historia llegada de Brasil ha logrado ganar. La primera vez fue en 1979, cuando Canal 11 -actual Chilevisión- emitió la versión original y consiguió derrotar a un espacio del desaparecido director Gonzalo Bertrán y a Sábados Gigantes, ambos de Canal 13. La segunda, que es emitida actualmente, supera ampliamente en audiencia al estelar de Rafael Araneda, de TVN, y dejó atrás al estelar de Kike Morandé en su segunda emisión.
Y si bien la compra de la actual versión fue una decisión meditada de la administración de Chilevisión, en 1979 fue la casualidad la que trajo a las pantalla la historia de la esclava blanca. Ese año, el entonces gerente de producción y programación de Canal 11, Alfredo Lamadrid, viajó a Brasil a comprar a la red brasileña Globo los derechos del show de Frank Sinatra en el Estadio Maracaná. Pero, estando allá, el ejecutivo vio un par de capítulos de una teleserie que estaba teniendo cierta repercusión y que se llamaba La Esclava Isaura y era protagonizada por Lucelia Santos.
“Me encantó por el contenido, las actuaciones y la ambientación”, señala Lamadrid, quien negoció los derechos de transmisión para Canal 11 y, de paso, convirtió a la estación en la primera en Latinoamérica en emitir la historia de la esclava blanca que luego fue exhibida en distintas partes del mundo. El primer capítulo salió al aire en octubre de 1979 y el último, en junio de 1980. En cuanto al horario, si bien en esa época las teleseries se emitían a la hora de almuerzo, Canal 11 decidió programarla a partir de las 19.30 a las 20.30 horas, lo que generó todo un debate en el Consejo Nacional de Televisión.
Al respecto, Lamadrid (director de Proyectos Audiovisuales en Uniacc y conductor del programa Cada Día Mejor, de Red-TV) comenta que en esos tiempos, Canal 13 tenía al aire Estudio 26, un programa juvenil de concursos que animaban Javier Miranda y Sergio Silva, y que dirigía Gonzalo Bertrán. “Se fue al suelo”, dice Lamadrid y agrega que era difícil competir con la teleserie brasileña, ya que marcaba 30 puntos de sintonía, según la antigua empresa de medición Tessmerck. El ex ejecutivo señala, además, que más de alguna vez logró superar a Sábados Gigantes, de Don Francisco.
Pero el comienzo no fue tan auspicioso. De hecho, fue la madre de Lamadrid quien, indirectamente, logró el éxito, al comentarle a su hijo Alfredo que sus amigas en la peluquería habían dicho que no entendían la historia. A partir de eso, el gerente de programación de Canal 11 optó por exhibir siete horas seguidas (de 13.30 a 20.30 horas) de teleserie bajo el título Engánchese con La Esclava Isaura, que ya llevaba 40 capítulos al aire. El especial-resumen se emitió un sábado y acaparó la audiencia en al menos cinco horas (o 10 media horas, que era como se medía el rating en esos años). ¿Resultado? La Esclava Isaura, afirma Lamadrid, subió 10 puntos de sintonía el lunes siguiente, lo que, paralelamente, ayudó a reforzar el noticiario Teleonce, que conducía Patricio Bañados.
Sobre esa época, el actual director de televisión Cristián Mason, que en ese entonces oficiaba como asistente de Gonzalo Bertrán en Estudio 26, de Canal 13, descarta que la alta sintonía de Isaura haya provocado el “impacto” que genera hoy. “En ese tiempo el rating se medía con cuadernillo y no era tan importante como es ahora”, asegura. Mientras, Valentín Trujillo rememora que en los 80 Sábados Gigantes pasó por “varias turbulencias, y así logramos reponernos varias veces también. Terremotos e histeria no hubo”, y agrega que “Mario (Kreutzberger, Don Francisco) no es un ganador perpetuo”.
El éxito de Isaura, en tanto, hizo que los ejecutivos de Canal 11 invitaran en 1980 a la protagonista de la telenovela, Lucelia Santos, a algunos programas como Cuánto Vale el Show y La Tarde Grande. La actriz brasileña estuvo tres días en Santiago y produjo gran expectación.
Tal como ahora, el reemplazo de La Esclava Isaura en los 80 fue un tema. Alfredo Lamadrid cuenta que durante su luna de miel se despertaba en mitad de la noche pensando en qué pondría en ese horario. Los Ricos También Lloran fue la carta, y no se equivocó. Hoy el gerente general de CHV, Mario Conca, dice que se “barajan distintas alternativas” e incluso “no necesariamente una teleserie”.
Una de las seriales de aventuras más populares de los 60, es esta producida por el incansable Irwin Allen, la mente detrás de esos ejemplos de economía televisiva que fueron Perdidos en el Espacio, El Túnel del Tiempo y Tierra de Gigantes.
Viaje al Fondo del Mar (que actualmente emite el canal de cable Fox) fue la primera de las exitosas series de ciencia ficción que hizo Allen, si bien con pocos recursos, con mucha habilidad. Como nunca desperdiciaba nada -ya se ha dicho-, los monstruos, marcianos, aparatos y hasta los mismos actores y guionistas se intercambiaban en sus distintas producciones. De hecho, la serie surgió de una película: Viaje al Fondo del Mar, protagonizada por Walter Pidgeon, Joan Fontaine, Barbara Eden y Peter Lorre, que Allen dirigió en 1961. Como se gastó 400 mil dólares en el submarino, no iba a terminar el filme y perder tamaña inversión. Así que con nueva tripulación dió origen a la versión televisiva que fue producida originalmente entre 1964 y 1967, a medias, entre la Irwin Allen Productions y la 20th Century Fox.
A lo largo de sus 110 episodios, la serie contaba las misiones del submarino atómico Seaview, el arma secreta de la marina gringa, y su tripulación, encabezada por el almirante Harriman Nelson (Richard Basehart) y el capitán Lee B. Crane (David Hedison). A ellos se sumaba la tripulación más aporreada y balanceada de la historia de la televisión, conformada además por los “chiefs” o “jefes“, Curley Jones (Henry Kulky) y Francis Sharkey (Terry Becker). Eso, sin olvidar al abnegado de Kowalski (Del Monroe), el marino raso con más mala suerte de la historia. Siempre le pegaban o lo raptaban, lo dejaban cuidando al malo o al monstruo de turno y terminaba aporreado o bajo su control. Pobre Kowalski.
Todos ellos debían luchar contra los enemigos de la patria, en misiones típicas de los tiempos de la Guerra Fría, en especial durante la primera temporada. También estaban los científicos locos y los desastres marítimos. Con la llegada del color, Allen quiso ponerle ídem a su serie y empezaron a desfilar los monstruos marinos, las medusas gigantes, hombres lobos, extraterrestres, juguetes asesinos, momias de la Atlántida, tipos con disfraz de alga y otros bichos extraños, incluyendo hasta escenas con monstruos prehistóricos, que no eran más que cocodrilos y otros lagartos con prótesis, sacadas de la pelicula The Lost World, que él mismo dirigió en 1960.
Con efectos especiales de bajo -muy bajo- presupuesto e intrigas bastante tiradas de las mechas, Viaje al Fondo del Mar resulta inolvidable. Cómo sacarse de la memoria esas escenas, tan recurrentes por los demás, en que algún monstruo gigante de dudosa factura agarraba el submarino y se ponía a remecerlo de un lado a otro. Así recordaremos para siempre al Seaview y su tripulación: todos en medio de un constante chisporroteo de los tableros con lucecitas y envueltos en un eterno y metafísico vaivén.
Cada vez que se estrena una nueva película de James Bond, aparecen los infaltables artículos sobre quién es el mejor de los agentes 007. Y es por esto que recuerdo una serie ochentera en que uno de los protagonistas, ya desde esa época, intentaba ponerse el traje del famoso espía británico. Se trata del irlandés Pierce Brosnan y la serie es la divertida Con Temple de Acero.
La historia parte con Laura Holt (Stephanie Zimbalist), una eficaz detective privada que, sin embargo, no logra hacer despegar su agencia por una razón muy simple: es mujer. Entonces, como el protagonista de la clásica novela del chileno Jenaro Prieto, se inventa un socio, o más bien un jefe de nombre Remington Steele, quien simplemente no existe. Pero los clientes no lo saben, y le empieza a ir excelente con sus negocios detectivescos.
En el primer capíiulo, algo sale mal y ella debe materializar a Mr. Steele. Por esas casualidades del destino, un misterioso y enigmático personaje de oscuro pasado (Pierce Brosnan), llega en el preciso momento para hacerse pasar por Steele, enredando de tal forma las cosas, que termina convirtiéndose en el socio y jefe de Laura, permanentemente.
La serie fue emitida originalmente entre 1982 y 1987 y fue creada por el productor Michael Gleason (además tenía una pegajosa cortina del gran músicio Henry Mancini, el de la melodía de La Pantera Rosa). De alguna forma, su mezcla de serie de detectives privados, casos policíacos y misterios criminales por resolver, con los códigos del género de la comedia romántica, son una suerte de antecedente del fenómeno que llevaría más lejos Luz de Luna.
La relación entre Laura y el supuesto Steele pasa de la desconfianza a la colaboración, la amistad, el compañerismo y finalmente el amor. Juntos se dedican a resolver enigmas para los que son contratados y a diferencia de la agencia Luna Azul, por ejemplo, la de ellos era bien exitosa y cotizada. Contaban con la colaboración de una diligente señora llamada Mildred Krebs (Doris Roberts), que los ayudaba en los casos. Y pasaban fácilmente del humor al suspenso y a escenas donde corrían peligro mortal. Pero de las que salían airosos siempre.
Brosnan hacía gran despliegue de su carisma, su encanto y su estampa, que lo hicieron un candidato seguro para ocupar el rol de Bond. De hecho, los productores de la serie fílmica lo llamaron luego del retiro de Roger Moore, pero no pudo por sus compromisos para Con Temple de Acero. Eso le dió la oprtunidad a Timothy Dalton para quedarse con el rol. Lo que fue bueno para los fanáticos de Remington Steele, pero no para los de James Bond.
El drama policíaco Hunter fue creado en 1984 y se mantuvo al aire durante siete años. Su creador fue el productor Stephen J. Cannel, uno de los capos del negocio y autor de varias series de éxito como El Gran Héroe Americano, Los Magníficos y Comando Especial, donde saltó a la fama Johnny Deep.
Hunter, El Cazador contaba las aventuras que vivía el sargento Rick Hunter (Fred Dryer) junto a su compañera, la sargento Dee Dee McCall (Stephanie Kramer), ambos investigadores del Departamento de Homicidios de la policía de Los Angeles. Como es una ciudad díficil y los tiempos estaban complicados, Hunter se ponía a la altura de los acontecimientos y lo más característico del personaje era su estilo poco delicado para tratar a los malos.
Al igual que Miami Vice y Mike Hammer (aunque en tono paródico), Hunter formó parte de esa vertiente dura que dominó la pantalla chica a mediados de los 80’s, que se distinguía por su intento de mostrar lo que antes la television preferia obviar. Y no era tanto mayor realismo lo que se buscaba, sino una cuota mayor de violencia. Afuera las cosas se estaban poniendo más violentas, y las series no querían quedarse atrás y ser sobrepasadas por los noticiarios, en los cuales la violencia real entraba a los hogares norteamericanos todos los días.
Hunter no dudaba en golpear a un criminal si la situación lo ameritaba y tampoco le temblaba la mano para apretar el gatillo y despachárselo si era necesario. Eso sí, el tipo era justo. Pero era de aquéllos que disfrutaba aporreando malvados y le gustaba meterles plomo de vez en cuando.
Miuchas veces Hunter y su compañera debían actuar encubiertos e infiltrarse en los diversos submundos del hampa de L.A., a fin de detener a algún sofisticado villano o una pandilla. En general, el tono del programa era serio y seco, al igual que su infalible y arriesgado protagonista. Rick Hunter pertenecía a la casta de los tipos duros, ésos que empezaron a desaparecer avanzados los años 80 debido a los relamos de los moralistas de siempre y al resurgimiento de una TV más acaramelada, en la que reinaron Bill Cosby y las viejitas de Los Años Dorados.
En todo caso, Fred Dryer se ha mantenido activo a pesar de todo, y su principal fuente de trabajo sigue siendo la televisión. Lo mismo vale para Stephanie Kramer, que ha hecho varios telefilmes, incuído uno junto a David Hasselfoff, sobre la reparición del Jack, El Destripador en Arizona.
Dryer encarnó al detective Hunter igualmente en un par de películas para televisión: Hunter – Deadly Encounters, de 1990; y en su resurrección de 1995, Return of Hunter: Everyone Walks in L.A. En todo caso, para los fanáticos, también protagonizó otra serie en 1995, Land’s End, que se pudo ver por el cable.
Oliver Queen era un vividor millonario. Su habilidad de supervivencia más ingeniosa era su capacidad de hacer que un martini durase una hora. Esa vida de ocio acabó el día en que, producto de un tumbo inesperado, cayó por la borda de un yate y agarrado a un accesorio de cine para flotar, llegó a una isla desierta -Starfish Island-.
Sobrevivió meses de soledad usando sólo un simple arco (que moldeó para defenderse y sobrevivir). Luego de escapar de la isla gracias a unos contrabandistas, que la usaban como base secreta, decidió que en su vida ya no habrían mas esmóquines y supermodelos.
De regreso en Star City capturó en un baile de disfraces a un ladrón de poca monta que dijo: “Habría escapado con esto si no fuera por ese tipo de la flecha verde“.
Ya con un alias inventado por la prensa, Flecha Verde, y junto a su compañero Speedy, se convierte en el defensor de Star City, gastando su dinero en equipos y batallando más allá del alcance de la ley. Se divirtió, pero le costó su fortuna. De la noche a la mañana, sin dinero, Queen pasó de combatir supervillanos a batallar el crimen callejero y la injusticia social al salir de su departamento alquilado. Fue la lección final que requirió su alma de la clase alta.
Flecha Verde se transformó con los años en un moderno Robin Hood que ha estado en ambos lados de la ley, mientras buscaba su propia marca de justicia con un arco. En un caso semejante, mientras detenía a un grupo militante llamado Eden Corps, Oliver Queen era asesinado en una explosión de aeroplano en Metropolis. Después de la muerte de Queen, Connor Hawke, el hijo a quien apenas había conocido, recogió el arco y continuó la lucha por el bien como el segundo Flecha Verde.
B.J. and the Bear fue puesta al aire en 1979 por Glen A. Larson, prolífico creador, productor, director, guionista y músico de varias famosas series de televisión, de Quincy a Switch, de Galáctica a Magnum, pasando por El Auto Fantástico, entre muchas otras.
La serie, que duró sólo dos años, era eminentemente on the road, es decir, en el camino. Billie Jean McCay, alias B.J. (Greg Evigan), era un camionero y junto a su mascota, un chimpancé llamado Bear (en honor a un beisbolista) recorría los polvorientos caminos y largas carreteras de Estados Unidos, como una suerte de caballero “rodante”, siempre dispuesto a ayudar a alguna damisela en apuros en forma desinteresada. Bueno, tal vez las chicas no fueron damas, precisamente, y lo de él tampoco fuera tan desinteresadamente.
El asunto es que B.J. se metía en todo tipo de líos cada vez que se topaba con una joven exuberante. Y hay que ver que abundaban en pueblos chicos, restaurantes para camioneros y otros lugares remotos. McCay, que era guapo, pero por sobre todo entrador y pendenciero, se las ligaba a todas y cumplía con la fantasía estereotipada del camionero (estilo marino) con una mujer en cada parada.
Lo único que le complicaba la vida difícil era el sheriff Lobo (encarnado por el gran secundario Claude Atkins), a quién durante varios capítulos le dió con perseguir a B.J. por meterse en lo que no le importaba. Nunca pudo sacarlo del camino, pero sus esfuerzos fueron recompensados, porque logró tener su serie propia en 1979, The Misadventures of Sheriff Lobo.
Greg Evigan ha sido siempre actor de televisión. También canta y compone. En 1987 fue protagonista de Mis Dos Papás y coprotagonista junto a William Shatner, de la serie de ciencia ficción Tek War (inédita en Chile). También ha aparecido en las últimas temporadas de Melrose place, en el papel del Dr. Dan Hathaway; y en la serie Pacific Palisades.
Surgida de la prolífera mente del productor norteamericano Irwin Allen, Perdidos en el Espacio estuvo originalmente al aire desde 1965 a 1968, pero desde entonces la nave Jupiter II y sus desorientados tripulantes han continuado recorriendo, incansablemente, los televisores de todo el mundo. Allen, autor de otras memorables series de ciencia ficción de magros presupuestos como Viaje al fondo del Mar, Tierra de Gigantes y El Túnel del Tiempo, gustaba de utilizar bien los recursos y aprovechaba en todas sus producciones los mismos escenarios, los actores, los guionistas, las naves y los monstruos.
A quién le importaba conversar el amuerzo si en la tele estaba ese trío legendario formado por un robot impertinente (Bob May); por el valeroso boy-scout intergaláctico, Will Robindon (Billy Mummy); y por uno de los villanos más resbalosos, cobardes e hipócritas que ha dado la televisión. Esta entrañable sabandija era el doctor Zacarías Smith (Jonathan Harris), quién en el primer capítulo de la serie se metió a la mala en la nave para sabotearla y, torpe además de malo, quedó atrapado y condenado a vagar por el espacio.
El grupo era completado por el jefe de familia, John Robinson (Guy Williams); el copiloto, Don West (Mark Goddard); y por el resto de la familia del comandante Robinson: su esposa Maureen (June Lockhart) y sus dos hijas, interpretadas por Marta Kristen y Angela Cartwirght. Las historias eran más bien simples y aunque su creador había pensado en un drama de supervivencia en el espacio, su potencial humorístico fue el que finalmente la convirtió en un bocado delicioso de los verdaderos gourmets de la basura catódica, ya sea por lo absurdo de sus situaciones o lo estrambótico de sus personajes.
Hace unos años Canal 13 la transmitió en un bloque dominical llamado Onda Retro, junto a otras emblemáticas series como Rescate Internacional y El Super Agente 86. Al igual que el canal de cable Fox, donde tuvimos la oportunidad de ver alguno de los 83 episodios de Perdidos en el Espacio , entre los que figuraban algunos tan memorables como el de la mujer verde que flotando en el espacio se dedica a seducir al Dr. Smith, o aquel del hombre zanahoria que quiere transformar a los protagonistas en plantas.
Emitida originalmente entre Septiembre de 1964 y Septiembre de 1970 en la NBC, con un total de 165 episodios. Protagonizada por Fess Parker como Daniel Boone y Ed Ames como Mingo, el indio americano amigo de Boone, en las cuatro primeras temporadas. Albert Salmi interpretó a Yadkin, amigo de Boone, solo en la última temporada.
Fess Parker ya había interpretado en televisión a otro ícono de la cultura norteamericana. Antes había aparecido como Davy Crockett en una serie de episodios del Disney Anthology Television (más conocido como The Wonderful World of Disney). Lo más característico del personaje era su gorro de mapache que, como no, el mismo Parker había popularizado años antes en el show de Crockett. Incluso el sombrero de Daniel Boone se mencionaba en el tema central de la serie en inglés: “From the coonskin cap on the top of ol’ Dan….” aunque en la vida real el verdadero Daniel Boone no llevara un gorro de mapache.
El Boone de Parker era más un hombre de familia que un explorador. Rebeca (la esposa de Boone, interpretada por Patricia Blair) e Israel (Darby Hinton, el hijo) a menudo estelarizaban las historias. Aunque en realidad, Boone tenía diez hijos. En las dos primeras temporadas, el rol de Jemima, la hija de Boone, lo hizo Veronica Cartwright, pero desapareció sin explicación hacia el final de la segunda temporada.
La serie estaba ambientada alrededor de 1770, antes y durante la Revolución Americana, en Boonesborough, Kentucky. Esto se relacionaba con hechos históricos, ya que de hecho Boone había llegado a ese lugar allá por 1775.
Otra vista televisiva de Daniel Boone se pudo apreciar en el Disney Anthology Series en 1960, con Dewey Martin como Boone. Esta serie de cuatro partes no tuvo ni remotamente el mismo impacto que programas como el de Crockett. Como es de esperar, el Boone de Fess Parker es mucho más recordado que el de Martin.
En el siglo XXII, la tierra esta devastada por las Guerras Metálicas, en la que humanos y máquinas lucharon, y las máquinas vencieron, ahora gobierna el malvado Lord Terror y busca exterminar a los pocos humanos que aún quedan. Con armaduras de alta tecnología, surge un pequeño grupo que inicia la resistencia. Sus integrantes son, su líder y Capitán Jonathan Power, el Mayor Matthew ‘Halcón’ Masterson, Michael ‘Tanque’ Ellis, Sargento Robert ‘Scout’ Baker y Jennifer ‘Piloto’ Chasen.
Los humanos son casi exterminados y los pocos sobrevivientes viven temerosos, ocultándose del terrible biodroide Soaron, quien tiene la misión de digitalizarlos. Pero Lord Terror no esta conforme y busca convertir a jóvenes partidarios de las máquinas, en un invencible escuadrón de biodroides más poderosos y mortíferos. Capitán Power y los Soldados del Futuro deben evitar este plan a toda costa, ahora la humanidad depende de ellos…
Audaz programa -creado para distraer a la teleaudicencia de la crisis económica que vivía el país- que se emitió por las pantallas de TVN entre 1981 y 82 batiendo varios records.
De partida fue el primer espacio chileno que alcanzó 80 puntos de rating, cuando la sintonía se medía con cuadernillos (tipo encuesta), superando incluso a “La Madrastra“, la teleserie más vista de la historia. Además fue el primer producto criollo que ganó el Premio Ace, al “Mejor Programa de Variedades en el Exterior” y al “Mejor Animador”. Para recibir este galardón -entregado por la asociación de cronistas de espectáculos de Nueva York- viajaron a Estados Unidos Antonio Vodanovic, su conductor, y Sergio Riesenberg, su director.
El estelar se transmitía en directo desde el Hotel Crown Plaza de Santiago, hasta donde llegaban cientos de personas que querían presenciar el espectáculo. Era tal el interés del público y de la prensa por asistir que siempre se superaba la capacidad del recinto. Por “Sabor Latino” pasaron las vedettes más importantes de la época. Cubiertas de plumas, lentejuelas y brillos mostraron sus curvas Susana Giménez, Moria Casán, María José Cantudo, Sissi Lobato, esposa del coreógrafo Ever Lobato y la inolvidable María José Nieto, Maripepa.
Recién llegada desde España, Maripepa apareció con su hilo dental cantando “Fumando espero…” y medio país quedó con taquicardia. Ese fue el comienzo de una brillante carrera por estos lados. Años después incluso se casaría con un afortunado chileno. Los shows ofrecidos en cada edición eran comentario obligado al día siguiente en todas las oficinas del país. El público era show aparte, ya que en las primeras filas generalmente se podía ver a varias figuras del espectáculo. Tampoco faltaban los cahuines, como aquella vez en que Raquel Argandoña acudió junto al cantante Manolo Otero, quien recién se había separado de la Cantudo, la española que actuaría esa noche.
Este programa ayudó a Antonio Vodanovic a proyectarse internacionalmente. El espacio también se transmitió en varios países de Latinoamérica con gran éxito. Lamentablemente tras dos temporadas, TVN decidió no seguir el ciclo. La situación política imperante y las constantes amenazas de un movimiento teocrático obligaron a bajar el telón de esta inolvidable y audaz revista televisiva.
Con el reconocimiento de su emisión en Estados Unidos, “Sabor Latino” vuelve en Mayo de 1987. Sin embargo movimientos teocráticos presionan y TVN termina definitivamente el estelar.
Esta es una de las telenovelas más recordadas de la década de 1980. En especial por el papel de Lucy Salgado quien interpretó a Isabel Valdivia, ella interpretó a una dueña de casa que se cansaba de su vida y decía hacer unos “pequeños” cambios, entre ellos estaba el de echar de la pieza a su marido. En los últimos capítulos, los libretistas le tenían reservado un trágico final, pero ella se las arreglaba para volver como un protector fantasma a cuidar a su familia.
La historia comenzaba cuando Hernán Ugalde (Tomás Vidiella), un acomodado doctor, y su hija Gabriela (Carolina Arregi) llegaban a instalar su consultorio al edificio que daba vida a la telenovela. Como era de esperarse, Cupido se encargaba de tirar sus flechas en los pasillos del edificio e iniciar una historia de amor entre el hijo de Hernán e Isabel, Pablo (Rolando Valenzuela), entre ellos se dio la típica relación entre una niña rica y un niño pobre, que abunda en las telenovelas, que deben enfrentar los prejuicios para poder ser feliz, siempre en el último capítulo.
En la Torre diez también tuvo un rol importante Sonia Viveros, quien interpretó a Thelma Bernard, una antigua amante del doctor Ugalde, una mujer cuyo único objetivo en la vida es conseguir dinero, sin importar el costo, como quedó demostrado a lo largo de la historia, con las revelaciones que se hacen sobre su oscuro pasado, ligado a estafas y robos. Ella además tenía algunos negocios un poco turbios con personas de la torre, como Estela Keller (Roxana Campos).
Claudio Reyes, en su época de galán de telenovelas, también tiene su historia en La Torre Diez, como Luchito el hijo menor de Lucy Salgado. Tampoco estuvieron ausentes de la historia, el conserje Serafín Illanes (Rubén Sotoconil), quien estaba al tanto de cada cosa que ocurría dentro del edificio.
Escrito por onionzeta 
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